My Friends And Other Animals II

Travesía Cuatro presenta My Friends and Other Animals II, un proyecto de Elena del Rivero con Saelia Aparicio, Pepa Balsach, Lili Dujourie, Patricia Esquivias, Nona Faustine, Marina González Guerreiro, Justine Kurland, Regina Fiz Santos, Fina Miralles, Claudia Pagès, Mónica Valenciano y Claudia Wieser.

“Prefiero ser una ciborg a una diosa.”

Donna Haraway  

“Alicia: ¿Cuál es el uso de un libro sin dibujos ni conversaciones?”

Alicia en el país de las maravillas, Lewis Carroll

El título de la exposición para-cita “Mi familia y otros animales” de Gerald Durrell, que leí en mi juventud y que me produjo un enorme placer. La primera edición de My friends and Other Animals tuvo lugar cuando Travesía Cuatro me invitó a mi primera exposición individual en 2016 y, para sentirme acompañada, propuse presentarme rodeada de artistas con las que mantengo lazos de amistad. Cuando me llegó su tercera invitación, les propuse revisitar el espíritu de My Friends…, proyecto que explora algo sobre lo que he estado reflexionando últimamente, especialmente al constatar la ilusión con que la gente volvía a reunirse en mi parque del East Village de Nueva York.

Durante este tiempo de reapertura y reencuentros me surgieron algunas preguntas que, aunque sencillas, me produjeron una súbita emoción: si el mejor arte surge de la experiencia y su contemplación produce dolor, ¿Cómo seguir creando significado frente al desmoronamiento ético, social y medio ambiental de nuestra época? ¿Cómo mostrar nuestra vulnerabilidad? ¿Es posible comprometerse con líneas de indagación dentro de un contexto tan privilegiado como el nuestro? Pensé, entonces, que una forma de compartir estas preocupaciones, era invitando de nuevo a artistas queridas y, colectivamente, dar voz a estos sentimientos que además nos brindan la oportunidad de resaltar la importancia de la relación, potenciando lo comunitario, el lenguaje inclusivo y la diferencia.

Mi intención con esta muestra es transmitir la urgencia de sentirme cercana a un grupo afín -y no solo sentirme acompañada pero también ofrecer acompañamiento-. Me ha estimulado mostrar las obras de todas nosotras como imprescindible individual y colectivamente. He imaginado que una idea común sobrevolaba sobre nosotras, como expresión sensorial -a modo de gran prótesis- protegiéndonos para facilitarnos la tarea de ser testigos del espíritu del tiempo y continuar captando lo inesperado surgiendo de lo ordinario, lo cotidiano elevándose al territorio de lo espiritual. En esta mise-en-scène, las narrativas y asociaciones personales hilvanadas por estas artistas de generaciones y procedencias diferentes, afloran estableciendo sorprendentes conexiones político-poéticas, y vitales.

La memoria – La vocación – La curiosidad como inspiración y el proceso como fin

El impulso compartido por agitar los símbolos que nos rodean – El ingenio

El cuerpo como campo de batalla para la mujer, aun en su ausencia

Las preguntas sin respuesta – La transgresión constante

Elena del Rivero

Nueva York, noviembre 2021

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Saelia Aparicio (Ávila, 1982) vive y trabaja en una isla secreta de Londres. Obtuvo un Master de escultura en el Royal College of Art de Londres (2015). En 2019, La Serpentine le encargó la animación “Greenshoots” para el Simposio “The shape of a circle in the mind of fish with plants” y en 2016 ”A Mysterical Journey” comisariado por Tai Shani y Lucia Pietroisusti. Ha participado en “Prótesis para invertebrados”, en La Casa Encendida en Madrid, comisariada por Ignacio Cabrera. Saelia ha ganado un Bloomberg New Contemporaries (2016), un Lee Alexander McQueen (2018), un Jerwood Survey (2018) y una Residencia Porthmeor para artistas emergentes (2020). En su trabajo explora la idea del híbrido en el ecosistema urbano, analizando cómo percibimos a otros seres vivos de acuerdo a nuestros intereses antropocéntricos en un contexto neoliberal.

Maria Josep Balsach (Sabadell, 1956) es profesora de Historia del arte contemporáneo y directora de la Cátedra de Arte y Cultura Contemporánea de la Universidad de Girona. Es autora de numerosos trabajos teóricos sobre estética y el arte de los siglos XIX y XX desde una vertiente interdisciplinar. Entre sus publicaciones destacan “Esteticismo y decadentismo a finales del siglo” (1988), “Hybris y pensamiento trágico” (1990), “El arte inmaterial de Arnold Schönberg” (Premio Internacional Espais a la crítica de arte), “Joan Miró: Cosmogonías de un mundo originario (1918-1939)” (2007) (Premio Ciutat de Barcelona de Ensayo), entre otros. Entre sus libros de poesía podemos citar “Eprath” (1984), “Poemes de Brisgòvia” (1992) y “Galítzia” (2009). Pepa ha publicado ensayos sobre la obra de artistas contemporáneos, entre los que se puede citar los numerosos escritos sobre el trabajo de Elena del Rivero desde 1989.

Lili Dujourie (Bélgica, 1941) es una artista flamenca que trabaja con técnicas tan diferentes como la escultura, la fotografía, el cine, la instalación, el collage y el dibujo. Su línea de pensamiento se centra en los temas de la inutilidad, el pesimismo, la falta de constancia, el paso del tiempo, la ausencia y el aburrimiento. Lili trabaja principalmente con la arcilla, papel, hierro, plomo, mármol, fotografía, yeso, terciopelo y video. Su trabajo establece una experiencia racional, y sensorial con los materiales reflejando una visión crítica sobre la historia del arte. Sus materiales están sexuados, mostrando la dimensión performativa de la obra de arte. Con numerosas exposiciones y su trabajo en los grandes museos del mundo recuerda con cariño la organizada por Pablo del Val en la Conservera de Ceutí, Murcia, que incluyó a Elena del Rivero. Su trabajo forma parte de grandes colecciones privadas y públicas.

Patricia Esquivias es una artista española nacida en Caracas, Venezuela en 1979. Recibió un BA en el Central Saint Martins College of Art and Design en 2001 y un MFA por la California College of the Arts, San Francisco, en 2007. El trabajo de Patricia se caracteriza por hilvanar relatos a partir de hechos reales y centrados en la historia y en la memoria y en los que ella actúa como narradora utilizando su propia voz en los videos que son la base de sus trabajos. Su reciente investigación “Copiar a Manuela” (2021), donde recupera el legado de la pintora Manuela Ballester, se expone actualmente en el Centro de Arte Contemporáneo Fabra i Coats de Barcelona.

Nona Faustine (1977) es una artista norteamericana que nació y se crió en Brooklyn, NY. Faustine tiene un MFA de Bard College (2013) y un BFA por la School of Visual Arts de Nueva York. Recientemente ha participado en “Fantasy America” (2021) en el Andy Warhol Museum, “MONUMENTS NOW” (2020) en el Socrates Sculpture Park y “Half the Picture: A Feminist look at The Collection” (2018), en Brooklyn Museum, Nueva York. En 2021 presentó «Mitochondria» en la galería Higher Pictures Generation. Su trabajo se puede ver actualmente en el Brooklyn Museum en la exposición «The Slipstream: Reflection, Resilience, and Resistance in the Art of Our Time». Mack Books acaba de publicar una monografía sobre su serie “White Shoes”.

Kristina Fender (Sevilla, 1975 – en la carretera, Toledo, 4 de agosto de 2020) era una gran artista, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y máster en arte digital por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. También fue una destacada fotógrafa callejera y una apasionada motociclista viajando por el mundo con sus amigos y fotografiando momentos íntimos del grupo. Kristina colaboró ​​con Elena del Rivero a lo largo de los años de su maravillosa amistad, enriqueciendo las ideas de Elena con su uso caravaggesco de la fuente de luz.

Regina Fiz Santos (Portugal, 1970) define su trabajo como una práctica travesti, la apropiación la atraviesa, igual que la vida travesti atraviesa el alma, los parques, los viaductos y la noche. Definirse como travesti implica esconderse, bajar la cabeza cuando la luz del sol es cenital y abrirse, como flores nocturnas, en medio de la oscuridad. Regina lleva apropiándose desde hace años del trabajo de otras artistas para travestirlo, organizarlo como diálogo enfrentado al poder patriarcal y familiar que imponen los estados.

Marina González Guerreiro (A Guarda, 1992) es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Máster en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia. En sus instalaciones se intuye un preciosismo construido a partir de materiales precarios, así como la búsqueda de equilibrio entre orden y desorden, control y azar. Su proceso parte de  la acumulación, el taller se convierte así en un campo de ensayo donde objetos de las más variadas procedencias conviven. Ha participado en “Lifting Belly” (CentroCentro, 2020), con individuales “LMXJVSD” (Pols, Valencia, 2019) y “Una Promesa» (Galería Rosa Santos, Valencia, 2020).

Justine Kurland (1969) estudió fotografía en el School of Visual Arts y Yale University. Su trabajo ha sido incluido recientemente en 2020 Biennale für aktuelle Fotografie, Mannheim, Alemania. En 2021 presentó “Bruce Kurland & Justine Kurland – Two Worlds” en la Anderson Gallery de la Universidad de Buffalo con fotografías suyas y pinturas de su padre; para esta ocasión TIS Books publicó el libro “The Stick”. También en 2021 presenta la exposición “SCUMB Manifesto” en la galería Higher Pictures Generation en Nueva York. En 2020, Aperture publicó una monografía de su trabajo bajo el título “Justine Kurland: Girl Pictures”.

En palabras de Teresa Grandas, Fina Miralles (Sabadell 1950) es una de las artistas más significativas del Estado español desde los años setenta hasta la actualidad. Su obra surge en el contexto dictatorial del general Franco, en un entorno hostil, limitador y castrador, en el que la censura controlaba cualquier forma de expresión bajo imposiciones morales determinadas por el enorme peso de la iglesia católica auspiciada por el régimen. El trabajo de Fina Miralles rompe con las propuestas academicistas que se enseñaban en las escuelas de arte de la época y con las formas de comportamiento establecidas. Su práctica reconfigura el concepto de lo artístico, dentro de esa multiplicidad de actitudes que desdibujan lo que la historiografía tradicional había englobado bajo el epígrafe de arte conceptual. Recientemente MACBA organizó una gran retrospectiva curada por Teresa Grandas.

Claudia Pagès (Barcelona, 1990) basa principalmente su trabajo en texto, a través de material impreso, instalaciones y lecturas sonoras, generando un lenguaje específico relacionado con la oralidad y el texto hablado. Las obras en vivo de Claudia son recitales musicales donde los cuerpos navegan a través de textos, poemas, canciones en un paisaje contextualizado. Pagès trabaja en la búsqueda de nuevos sistemas de distribución de mercancía y economías de gentrificación. Licenciada en Bellas Artes (Universidad de Barcelona), con MFA en Sandberg Instituut, Amsterdam. Ha presentado su obra en HAU2 & CreamCake, Berlín (2019) y Sharjah Art Foundation, EAU (2018), entre otros espacios. Su trabajo se puede ver actualmente en “Notes for an Eye Fire, Panorama, 21” en MACBA, Barcelona.

Mónica Valenciano (Las Palmas de Gran Canaria, 1961) es premio nacional de danza en 2021. Mónica baila como quien excava en el cuerpo, desobstaculizando, abriendo nuevos circuitos para poder acceder a la escucha de esa íntima voz del cuerpo en su polifonía. En 1997 monta su propia compañía el Bailadero y con otras artistas de la danza contemporánea (La Ribot, Blanca Calvo, Olga Mesa, Elena Córdoba y Ana Buitrago) estableció el grupo UVI-la Inesperada. Con su compañía coreografió, entre otros, los “Disparates” inspirados en los grabados de Goya. En 2019, basándose en “El Archivo del Polvo” de Elena el Rivero, bailó el día del estreno de este Archivo en el ya desaparecido Centro Nacional de Artes Vivas – Naves Matadero “Luna llena en la cicatriz”. Mónica dibuja con excelentes resultados los estudios de sus futuras coreografías sobre papeles translúcidos hechos a mano.

Claudia Wieser (Berlín, 1973) de formación escultórica, utiliza también el dibujo para sus grandes instalaciones directamente sobre la pared con motivos fundamentalmente geométricos. Sus materiales incluyen los espejos, el cobre, la madera y el papel. Se inspira en la arquitectura y en los trabajos de artesanía y técnicas utilizadas por el movimiento Art and Craft. Recientemente el Public Art Fund de Nueva York le encargó una instalación que puede verse en el Brooklyn Bridge Park. Su trabajo también ha sido objeto de exposiciones en el SMART Museum of Art, Universidad de Chicago (2020), Bemis Center for Contemporary Art, Omaha (2020), Palais Populair, Berlin (2020/21), Galeria Casado Santapau (2021), Marianne Boesky Gallery NY (2018) y en Kunsthalle Hamburg (2020/2021).